Il drammaturgo circense Giacomo Costantini, l’attrice Clio Gaudenzi e lo scrittore Wu Ming 2 sperimentano un nuovo format di spettacolo: il pubblico per assistervi dovrà utilizzare il Veroscopio, un dispositivo simbolico e artigianale di invenzione dello stesso Costantini. Uno spettacolo di circo esperienziale, stratificato, che immerge fisicamente lo spettatore in una dimensione intima, individuale, selettiva.

“Mi chiamo Veroscopio perché ti mostro come veramente osservi il mondo: ciò che chiami realtà, la vedi così, dalla fessura di una scatola che hai in testa da sempre. Questa scatola ti consente di vedere solo un pezzetto di mondo, ma ti nasconde tutto il resto.”

Tommy, il ragazzino delle giostre, gioca al parchetto vicino il luna park della sua famiglia. Si allena di nascosto con la giocoleria perché il suo sogno è andare a lavorare al circo dei suoi cugini. Una musica attira la sua attenzione: una ragazzina con una scatola in testa suona una tastiera. Lei è Zelda e non sopporta la vista del mondo. “Come i pesci” è la loro storia, la loro avventura d’amore ipotetica, una fiaba circense sul disvedere e su ciò che perdiamo senza accorgercene. Una storia di parole non dette e inquadrature mancate.

“Abbiamo tutti una scatola in testa. E’ la normalità, per questo non la vediamo. Come il pesce non sa l’acqua in cui nuota… finché non lo pescano.”

Spettacolo consigliato a partire dai 10 anni / Durata 35 minuti

Di Giacomo Costantini – CIRCO EL GRITO
Con Clio Gaudenzi, Giacomo Costantini e la voce di Wu Ming 2
Regia di Tonio De Nitto
Testi originali di Wu Ming 2
Effetti sonori e sound design di Mirco Mencacci
Ricerca musicale / musica dal vivo di Clio Gaudenzi e Giacomo Costantini
Scenografie e macchinari di Simone Alessandrini (Adif Design)
Programmazione del dispositivo interattivo di Francesco Casanova
Consulenza tecnologica di Matteo Tomasetti
Prodotto da SIC / Stabile di Innovazione Circense
In collaborazione con Wu Ming Foundation – Bitnet01 – ValleGaudia
Realizzato grazie al sostegno di Ministero Italiano della Cultura – Regione Marche

Il drammaturgo circense Giacomo Costantini, l’attrice Clio Gaudenzi e lo scrittore Wu Ming 2 sperimentano un nuovo format di spettacolo: il pubblico per assistervi dovrà utilizzare il Veroscopio, un dispositivo simbolico e artigianale di invenzione dello stesso Costantini. Uno spettacolo di circo esperienziale, stratificato, che immerge fisicamente lo spettatore in una dimensione intima, individuale, selettiva.

“Mi chiamo Veroscopio perché ti mostro come veramente osservi il mondo: ciò che chiami realtà, la vedi così, dalla fessura di una scatola che hai in testa da sempre. Questa scatola ti consente di vedere solo un pezzetto di mondo, ma ti nasconde tutto il resto.”

Tommy, il ragazzino delle giostre, gioca al parchetto vicino il luna park della sua famiglia. Si allena di nascosto con la giocoleria perché il suo sogno è andare a lavorare al circo dei suoi cugini. Una musica attira la sua attenzione: una ragazzina con una scatola in testa suona una tastiera. Lei è Zelda e non sopporta la vista del mondo. “Come i pesci” è la loro storia, la loro avventura d’amore ipotetica, una fiaba circense sul disvedere e su ciò che perdiamo senza accorgercene. Una storia di parole non dette e inquadrature mancate.

“Abbiamo tutti una scatola in testa. E’ la normalità, per questo non la vediamo. Come il pesce non sa l’acqua in cui nuota… finché non lo pescano.”

Spettacolo consigliato a partire dai 10 anni / Durata 35 minuti

Di Giacomo Costantini – CIRCO EL GRITO
Con Clio Gaudenzi, Giacomo Costantini e la voce di Wu Ming 2
Regia di Tonio De Nitto
Testi originali di Wu Ming 2
Effetti sonori e sound design di Mirco Mencacci
Ricerca musicale / musica dal vivo di Clio Gaudenzi e Giacomo Costantini
Scenografie e macchinari di Simone Alessandrini (Adif Design)
Programmazione del dispositivo interattivo di Francesco Casanova
Consulenza tecnologica di Matteo Tomasetti
Prodotto da SIC / Stabile di Innovazione Circense
In collaborazione con Wu Ming Foundation – Bitnet01 – ValleGaudia
Realizzato grazie al sostegno di Ministero Italiano della Cultura – Regione Marche

Direttore Francesco D’Arcangelo
Soprano Noemi Umani
Orchestra del Teatro Goldoni

Un viaggio indimenticabile attraverso la musica da film che ha segnato la storia del cinema, con un’attenzione particolare alle composizioni premiate con l’Oscar. Il concerto Italian Movie Oscar celebra il genio di autori italiani che hanno conquistato la statuetta dorata, come Ennio Morricone, Nino Rota e Alan Silvestri. In programma brani leggendari tratti da film iconici come Il Padrino, La Vita è Bella, Forrest Gump, Ritorno al Futuro, Avengers, e altri capolavori. L’Orchestra del Teatro Goldoni di Livorno, diretta dal maestro Francesco D’Arcangelo, porta sul palco la magia della musica sinfonica in un’interpretazione emozionante di queste opere immortali. Un evento imperdibile per gli amanti della musica e del cinema.

Il drammaturgo circense Giacomo Costantini, l’attrice Clio Gaudenzi e lo scrittore Wu Ming 2 sperimentano un nuovo format di spettacolo: il pubblico per assistervi dovrà utilizzare il Veroscopio, un dispositivo simbolico e artigianale di invenzione dello stesso Costantini. Uno spettacolo di circo esperienziale, stratificato, che immerge fisicamente lo spettatore in una dimensione intima, individuale, selettiva.

“Mi chiamo Veroscopio perché ti mostro come veramente osservi il mondo: ciò che chiami realtà, la vedi così, dalla fessura di una scatola che hai in testa da sempre. Questa scatola ti consente di vedere solo un pezzetto di mondo, ma ti nasconde tutto il resto.”

Tommy, il ragazzino delle giostre, gioca al parchetto vicino il luna park della sua famiglia. Si allena di nascosto con la giocoleria perché il suo sogno è andare a lavorare al circo dei suoi cugini. Una musica attira la sua attenzione: una ragazzina con una scatola in testa suona una tastiera. Lei è Zelda e non sopporta la vista del mondo. “Come i pesci” è la loro storia, la loro avventura d’amore ipotetica, una fiaba circense sul disvedere e su ciò che perdiamo senza accorgercene. Una storia di parole non dette e inquadrature mancate.

“Abbiamo tutti una scatola in testa. E’ la normalità, per questo non la vediamo. Come il pesce non sa l’acqua in cui nuota… finché non lo pescano.”

Spettacolo consigliato a partire dai 10 anni / Durata 35 minuti

Di Giacomo Costantini – CIRCO EL GRITO
Con Clio Gaudenzi, Giacomo Costantini e la voce di Wu Ming 2
Regia di Tonio De Nitto
Testi originali di Wu Ming 2
Effetti sonori e sound design di Mirco Mencacci
Ricerca musicale / musica dal vivo di Clio Gaudenzi e Giacomo Costantini
Scenografie e macchinari di Simone Alessandrini (Adif Design)
Programmazione del dispositivo interattivo di Francesco Casanova
Consulenza tecnologica di Matteo Tomasetti
Prodotto da SIC / Stabile di Innovazione Circense
In collaborazione con Wu Ming Foundation – Bitnet01 – ValleGaudia
Realizzato grazie al sostegno di Ministero Italiano della Cultura – Regione Marche

Il drammaturgo circense Giacomo Costantini, l’attrice Clio Gaudenzi e lo scrittore Wu Ming 2 sperimentano un nuovo format di spettacolo: il pubblico per assistervi dovrà utilizzare il Veroscopio, un dispositivo simbolico e artigianale di invenzione dello stesso Costantini. Uno spettacolo di circo esperienziale, stratificato, che immerge fisicamente lo spettatore in una dimensione intima, individuale, selettiva.

“Mi chiamo Veroscopio perché ti mostro come veramente osservi il mondo: ciò che chiami realtà, la vedi così, dalla fessura di una scatola che hai in testa da sempre. Questa scatola ti consente di vedere solo un pezzetto di mondo, ma ti nasconde tutto il resto.”

Tommy, il ragazzino delle giostre, gioca al parchetto vicino il luna park della sua famiglia. Si allena di nascosto con la giocoleria perché il suo sogno è andare a lavorare al circo dei suoi cugini. Una musica attira la sua attenzione: una ragazzina con una scatola in testa suona una tastiera. Lei è Zelda e non sopporta la vista del mondo. “Come i pesci” è la loro storia, la loro avventura d’amore ipotetica, una fiaba circense sul disvedere e su ciò che perdiamo senza accorgercene. Una storia di parole non dette e inquadrature mancate.

“Abbiamo tutti una scatola in testa. E’ la normalità, per questo non la vediamo. Come il pesce non sa l’acqua in cui nuota… finché non lo pescano.”

Spettacolo consigliato a partire dai 10 anni / Durata 35 minuti

Di Giacomo Costantini – CIRCO EL GRITO
Con Clio Gaudenzi, Giacomo Costantini e la voce di Wu Ming 2
Regia di Tonio De Nitto
Testi originali di Wu Ming 2
Effetti sonori e sound design di Mirco Mencacci
Ricerca musicale / musica dal vivo di Clio Gaudenzi e Giacomo Costantini
Scenografie e macchinari di Simone Alessandrini (Adif Design)
Programmazione del dispositivo interattivo di Francesco Casanova
Consulenza tecnologica di Matteo Tomasetti
Prodotto da SIC / Stabile di Innovazione Circense
In collaborazione con Wu Ming Foundation – Bitnet01 – ValleGaudia
Realizzato grazie al sostegno di Ministero Italiano della Cultura – Regione Marche

di e con Eros Carpita
sguardo esterno Loris Seghizzi
progetto sonoro Aleksei Maier
con la partecipazione di Ksenia Rotar

Un uomo, un padre, un costruttore di mobili e di mondi. Mauro – Vacanze Rumene è un viaggio emotivo e onirico nella mente di un uomo in bilico tra lucidità e dissolvenza, tra memoria e fantasmi, tra ciò che si è perso e ciò che ancora cerca di restare in piedi.

Attraverso un fitto intreccio di linguaggi – proiezioni video, voci registrate, corpi in ombra, lettere d’amore e di lontananza – lo spettacolo ricompone i frammenti di un’esistenza fatta di lavoro, relazioni epistolari, desideri accantonati, colpe taciute e un incessante bisogno d’amore. Mauro, durante i suoi ultimi giorni in un letto d’ospedale, è attraversato dalle presenze di donne e uomini che hanno segnato la sua vita: amori fugaci, promesse non mantenute, illusioni ardenti e dolori mai del tutto elaborati.

La scena si fa archivio della memoria: una valigia piena di lettere, una serie di schermi che diventano finestre sull’anima, e la voce del figlio – Eros – che tenta un impossibile dialogo postumo con il padre, per comprendere chi fosse davvero quell’uomo ingombrante e sfuggente.

Mauro – Vacanze Rumene è una riflessione intima e politica su cosa lasciamo dietro di noi, su come si costruisce un’identità tra lavoro e sentimenti, tra doveri e desideri. È il racconto di un’epoca – l’Italia e la Romania degli anni ‘70 – ma anche di una possibilità: quella di riconciliarsi, almeno nel teatro, con ciò che non si è potuto dire.

Il drammaturgo circense Giacomo Costantini, l’attrice Clio Gaudenzi e lo scrittore Wu Ming 2 sperimentano un nuovo format di spettacolo: il pubblico per assistervi dovrà utilizzare il Veroscopio, un dispositivo simbolico e artigianale di invenzione dello stesso Costantini. Uno spettacolo di circo esperienziale, stratificato, che immerge fisicamente lo spettatore in una dimensione intima, individuale, selettiva.

“Mi chiamo Veroscopio perché ti mostro come veramente osservi il mondo: ciò che chiami realtà, la vedi così, dalla fessura di una scatola che hai in testa da sempre. Questa scatola ti consente di vedere solo un pezzetto di mondo, ma ti nasconde tutto il resto.”

Tommy, il ragazzino delle giostre, gioca al parchetto vicino il luna park della sua famiglia. Si allena di nascosto con la giocoleria perché il suo sogno è andare a lavorare al circo dei suoi cugini. Una musica attira la sua attenzione: una ragazzina con una scatola in testa suona una tastiera. Lei è Zelda e non sopporta la vista del mondo. “Come i pesci” è la loro storia, la loro avventura d’amore ipotetica, una fiaba circense sul disvedere e su ciò che perdiamo senza accorgercene. Una storia di parole non dette e inquadrature mancate.

“Abbiamo tutti una scatola in testa. E’ la normalità, per questo non la vediamo. Come il pesce non sa l’acqua in cui nuota… finché non lo pescano.”

Spettacolo consigliato a partire dai 10 anni / Durata 35 minuti

Di Giacomo Costantini – CIRCO EL GRITO
Con Clio Gaudenzi, Giacomo Costantini e la voce di Wu Ming 2
Regia di Tonio De Nitto
Testi originali di Wu Ming 2
Effetti sonori e sound design di Mirco Mencacci
Ricerca musicale / musica dal vivo di Clio Gaudenzi e Giacomo Costantini
Scenografie e macchinari di Simone Alessandrini (Adif Design)
Programmazione del dispositivo interattivo di Francesco Casanova
Consulenza tecnologica di Matteo Tomasetti
Prodotto da SIC / Stabile di Innovazione Circense
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Realizzato grazie al sostegno di Ministero Italiano della Cultura – Regione Marche

Il drammaturgo circense Giacomo Costantini, l’attrice Clio Gaudenzi e lo scrittore Wu Ming 2 sperimentano un nuovo format di spettacolo: il pubblico per assistervi dovrà utilizzare il Veroscopio, un dispositivo simbolico e artigianale di invenzione dello stesso Costantini. Uno spettacolo di circo esperienziale, stratificato, che immerge fisicamente lo spettatore in una dimensione intima, individuale, selettiva.

“Mi chiamo Veroscopio perché ti mostro come veramente osservi il mondo: ciò che chiami realtà, la vedi così, dalla fessura di una scatola che hai in testa da sempre. Questa scatola ti consente di vedere solo un pezzetto di mondo, ma ti nasconde tutto il resto.”

Tommy, il ragazzino delle giostre, gioca al parchetto vicino il luna park della sua famiglia. Si allena di nascosto con la giocoleria perché il suo sogno è andare a lavorare al circo dei suoi cugini. Una musica attira la sua attenzione: una ragazzina con una scatola in testa suona una tastiera. Lei è Zelda e non sopporta la vista del mondo. “Come i pesci” è la loro storia, la loro avventura d’amore ipotetica, una fiaba circense sul disvedere e su ciò che perdiamo senza accorgercene. Una storia di parole non dette e inquadrature mancate.

“Abbiamo tutti una scatola in testa. E’ la normalità, per questo non la vediamo. Come il pesce non sa l’acqua in cui nuota… finché non lo pescano.”

Spettacolo consigliato a partire dai 10 anni / Durata 35 minuti

Di Giacomo Costantini – CIRCO EL GRITO
Con Clio Gaudenzi, Giacomo Costantini e la voce di Wu Ming 2
Regia di Tonio De Nitto
Testi originali di Wu Ming 2
Effetti sonori e sound design di Mirco Mencacci
Ricerca musicale / musica dal vivo di Clio Gaudenzi e Giacomo Costantini
Scenografie e macchinari di Simone Alessandrini (Adif Design)
Programmazione del dispositivo interattivo di Francesco Casanova
Consulenza tecnologica di Matteo Tomasetti
Prodotto da SIC / Stabile di Innovazione Circense
In collaborazione con Wu Ming Foundation – Bitnet01 – ValleGaudia
Realizzato grazie al sostegno di Ministero Italiano della Cultura – Regione Marche

di e con Eros Carpita
sguardo esterno Loris Seghizzi
progetto sonoro Aleksei Maier
con la partecipazione di Ksenia Rotar

Un uomo, un padre, un costruttore di mobili e di mondi. Mauro – Vacanze Rumene è un viaggio emotivo e onirico nella mente di un uomo in bilico tra lucidità e dissolvenza, tra memoria e fantasmi, tra ciò che si è perso e ciò che ancora cerca di restare in piedi.

Attraverso un fitto intreccio di linguaggi – proiezioni video, voci registrate, corpi in ombra, lettere d’amore e di lontananza – lo spettacolo ricompone i frammenti di un’esistenza fatta di lavoro, relazioni epistolari, desideri accantonati, colpe taciute e un incessante bisogno d’amore. Mauro, durante i suoi ultimi giorni in un letto d’ospedale, è attraversato dalle presenze di donne e uomini che hanno segnato la sua vita: amori fugaci, promesse non mantenute, illusioni ardenti e dolori mai del tutto elaborati.

La scena si fa archivio della memoria: una valigia piena di lettere, una serie di schermi che diventano finestre sull’anima, e la voce del figlio – Eros – che tenta un impossibile dialogo postumo con il padre, per comprendere chi fosse davvero quell’uomo ingombrante e sfuggente.

Mauro – Vacanze Rumene è una riflessione intima e politica su cosa lasciamo dietro di noi, su come si costruisce un’identità tra lavoro e sentimenti, tra doveri e desideri. È il racconto di un’epoca – l’Italia e la Romania degli anni ‘70 – ma anche di una possibilità: quella di riconciliarsi, almeno nel teatro, con ciò che non si è potuto dire.

progetto nato dal laboratorio permanente di Sartoria Caronte (ottobre 2024 – luglio 2025)

con Margherita Bandini, Sergio Masiero, Edoardo Mancini Baldacci, Filippo Brancato, Giuliana D’Alessandro, Zaira Di Stefano, Elisa Mattii, Filippo Parri, Mattia Parri, Andrea Buonamini, Monica Bechini, Gimmi Barone, Anna Fatticcioni, Pietro Piras, Luigi Franzoni, Vittorio Lombardi, Ksenia Rotar, Alex Bani

Uno spettacolo di teatro ragazzi; per chi ha il coraggio di immaginare con gli occhi aperti

C’è una ragazza di diciassette anni che passa tanto tempo dentro un videogioco.
Si chiama Clara e, come molti di noi, cerca un varco, qualcosa che somigli alla bellezza, alla libertà, o almeno a una via d’uscita.

Il suo gioco è ispirato a Lo Schiaccianoci di Hoffman. È un labirinto digitale.
Livello dopo livello, Clara combatte fate, sogni, illusioni, ma resta sempre bloccata nello stesso punto, davanti al “Guardiano della paura”.

Poi, un giorno, succede qualcosa. Dal fondo del codice, qualcuno entra nel gioco… da fuori. Sono i Pagliacci di Leoncavallo. Vengono da un altro mondo, quello del teatro.
Non portano armi, né magie. Portano solo la verità della scena: la voce, il corpo, l’emozione nuda. Vogliono salvare Clara, ma non con una vittoria. Vogliono riportarla a se stessa, in un luogo dove il sogno non è un effetto speciale, ma una scelta consapevole.

Caro Pubblico…

Questo spettacolo è pensato per chi si sente bloccato in un livello. Per chi cerca la chiave. Per chi ha imparato a immaginare attraverso uno schermo e vuole sapere se c’è un altro modo.

Se vi va, portate con voi un oggetto della vostra infanzia. Un cappellino. Una maglietta dimenticata. Un gioco. Una piccola illusione. Qualcosa che vi ricordi chi siete stati prima che il mondo vi chiedesse di crescere. E stasera provate a sedervi e a guardarci come pubblico che ha ancora voglia di sentire, come spettatrici e spettatori bambine e bambini, o adolescenti, o al massimo come ragazze e ragazzi che stanno diventando grandi. Come Clara.

Perché il teatro, in fondo, è proprio questo: la possibilità di riscrivere il sogno. In diretta.

progetto nato dal laboratorio permanente di Sartoria Caronte (ottobre 2024 – luglio 2025)

Resi Gasperini, Rosetta Vommaro Marincola, Elisabetta Bertini, Gaia Bernini, Elisa Zaccagnini, Iris Barone, Eros Carpita, Alice Bosio, Filippo Brancato, Denise Finozzi, Nicola Finozzi, Paolo Bani, Elena Menichetti, Simone Cini, Francesca Ramacciani, Luca Bicchielli, Marialuna Tremolada , Manuela Vultaggio, Maria Antonietta Zinno, Boris Pimenov, Ksenia Rotar

Spettacolo di teatro ragazzi e adulti (sopravvissuti ai sogni)

Canio e la sua compagnia di Pagliacci sono condannati a recitare ogni sera la stessa tragedia. Ogni replica uguale, ogni dolore sempre più finto – e proprio per questo, sempre più vero. Ma qualcosa cambia. Oggi arrivano degli “ospiti”: Clara, Drosselmeyer, Lo Schiaccianoci… Arrivano da un altro mondo, magico, fatto di fiabe e sogni, ma anche di ombre e battaglie. Non sono qui per assistere, ma per cambiare la storia.

Clara è cresciuta. Non è più la bambina del racconto. È una sopravvissuta del sogno. E torna ora a guardare negli occhi Canio, l’attore eterno, per chiedergli se la sua parte sia ormai solo una gabbia, una condanna. 

“Quali Pagliacci” è uno spettacolo che attraversa vari mondi: quello della magia e quello del teatro, quella della finzione e quello della memoria, quello della tragedia e quello del sogno, quello dei bambini e quello degli adulti. Ma non li contrappone, li fa incontrare. Perché forse crescere non è dimenticare, ma imparare a raccontare diversamente le nostre storie.

Uno spettacolo per chi ha avuto paura di essere sé stesso. Per chi ha indossato una maschera per troppo tempo. Per chi è pronto a disobbedire a un copione già scritto. Per chi ama il teatro che fa domande e non dà risposte.

Caro Pubblico…
Vi chiediamo di venire a teatro con gli occhi spalancati. Di lasciare per un attimo il vostro ruolo di adulti, di studenti, di spettatori esperti…
Portate con voi un oggetto dell’infanzia: un peluche, una felpa troppo colorata, un cappello da gioco, una giacca col nome ricamato dentro.
Perché questo spettacolo parla a chi non ha mai smesso di cercare. A chi vuole tornare a scegliere.

Portate un pezzo della vostra infanzia. O lasciatevi trovare impreparati, come i migliori sognatori.
Non è detto che uscirete con un lieto fine. Ma forse, con un nuovo inizio.

progetto nato dal laboratorio permanente di Sartoria Caronte (ottobre 2024 – luglio 2025)

con Margherita Bandini, Sergio Masiero, Edoardo Mancini Baldacci, Filippo Brancato, Giuliana D’Alessandro, Zaira Di Stefano, Elisa Mattii, Filippo Parri, Mattia Parri, Andrea Buonamini, Monica Bechini, Gimmi Barone, Anna Fatticcioni, Pietro Piras, Luigi Franzoni, Vittorio Lombardi, Ksenia Rotar, Alex Bani

Uno spettacolo di teatro ragazzi; per chi ha il coraggio di immaginare con gli occhi aperti

C’è una ragazza di diciassette anni che passa tanto tempo dentro un videogioco.
Si chiama Clara e, come molti di noi, cerca un varco, qualcosa che somigli alla bellezza, alla libertà, o almeno a una via d’uscita.

Il suo gioco è ispirato a Lo Schiaccianoci di Hoffman. È un labirinto digitale.
Livello dopo livello, Clara combatte fate, sogni, illusioni, ma resta sempre bloccata nello stesso punto, davanti al “Guardiano della paura”.

Poi, un giorno, succede qualcosa. Dal fondo del codice, qualcuno entra nel gioco… da fuori. Sono i Pagliacci di Leoncavallo. Vengono da un altro mondo, quello del teatro.
Non portano armi, né magie. Portano solo la verità della scena: la voce, il corpo, l’emozione nuda. Vogliono salvare Clara, ma non con una vittoria. Vogliono riportarla a se stessa, in un luogo dove il sogno non è un effetto speciale, ma una scelta consapevole.

Caro Pubblico…

Questo spettacolo è pensato per chi si sente bloccato in un livello. Per chi cerca la chiave. Per chi ha imparato a immaginare attraverso uno schermo e vuole sapere se c’è un altro modo.

Se vi va, portate con voi un oggetto della vostra infanzia. Un cappellino. Una maglietta dimenticata. Un gioco. Una piccola illusione. Qualcosa che vi ricordi chi siete stati prima che il mondo vi chiedesse di crescere. E stasera provate a sedervi e a guardarci come pubblico che ha ancora voglia di sentire, come spettatrici e spettatori bambine e bambini, o adolescenti, o al massimo come ragazze e ragazzi che stanno diventando grandi. Come Clara.

Perché il teatro, in fondo, è proprio questo: la possibilità di riscrivere il sogno. In diretta.

progetto nato dal laboratorio permanente di Sartoria Caronte (ottobre 2024 – luglio 2025)

Resi Gasperini, Rosetta Vommaro Marincola, Elisabetta Bertini, Gaia Bernini, Elisa Zaccagnini, Iris Barone, Eros Carpita, Alice Bosio, Filippo Brancato, Denise Finozzi, Nicola Finozzi, Paolo Bani, Elena Menichetti, Simone Cini, Francesca Ramacciani, Luca Bicchielli, Marialuna Tremolada , Manuela Vultaggio, Maria Antonietta Zinno, Boris Pimenov, Ksenia Rotar

Spettacolo di teatro ragazzi e adulti (sopravvissuti ai sogni)

Canio e la sua compagnia di Pagliacci sono condannati a recitare ogni sera la stessa tragedia. Ogni replica uguale, ogni dolore sempre più finto – e proprio per questo, sempre più vero. Ma qualcosa cambia. Oggi arrivano degli “ospiti”: Clara, Drosselmeyer, Lo Schiaccianoci… Arrivano da un altro mondo, magico, fatto di fiabe e sogni, ma anche di ombre e battaglie. Non sono qui per assistere, ma per cambiare la storia.

Clara è cresciuta. Non è più la bambina del racconto. È una sopravvissuta del sogno. E torna ora a guardare negli occhi Canio, l’attore eterno, per chiedergli se la sua parte sia ormai solo una gabbia, una condanna. 

“Quali Pagliacci” è uno spettacolo che attraversa vari mondi: quello della magia e quello del teatro, quella della finzione e quello della memoria, quello della tragedia e quello del sogno, quello dei bambini e quello degli adulti. Ma non li contrappone, li fa incontrare. Perché forse crescere non è dimenticare, ma imparare a raccontare diversamente le nostre storie.

Uno spettacolo per chi ha avuto paura di essere sé stesso. Per chi ha indossato una maschera per troppo tempo. Per chi è pronto a disobbedire a un copione già scritto. Per chi ama il teatro che fa domande e non dà risposte.

Caro Pubblico…
Vi chiediamo di venire a teatro con gli occhi spalancati. Di lasciare per un attimo il vostro ruolo di adulti, di studenti, di spettatori esperti…
Portate con voi un oggetto dell’infanzia: un peluche, una felpa troppo colorata, un cappello da gioco, una giacca col nome ricamato dentro.
Perché questo spettacolo parla a chi non ha mai smesso di cercare. A chi vuole tornare a scegliere.

Portate un pezzo della vostra infanzia. O lasciatevi trovare impreparati, come i migliori sognatori.
Non è detto che uscirete con un lieto fine. Ma forse, con un nuovo inizio.

La poetica in musica di trovatori e trovieri

Catia Ginessi – voce, tamburello, tapan
Gabriele Bonvicini – nickelharpa, ghironda
Igor Niego – guida bulgara, clarinetto, chalumeau, flauti, percussioni
Walter Rizzo – bouzouki, cornamusa, bambarde
Roberto Kirtan Romagnoli – percussioni, santur

L’Ensemble Musica Officinalis presenta il suo nuovo lavoro: “Amb Amor”, dedicato alla poetica d’amore di trovatori e trovieri dell’alto e pieno medioevo. Una profonda e originale ricerca sul senso ed il messaggio che questi uomini eccezionali hanno voluto donare al mondo: l’amore come stile di vita e libertà di espressione. Perfettamente collocati all’interno della poetica del “Dolce stil novo”, riconosciuti da Dante come maestri di ispirazione ed esempio, più volte citati all’interno della Divina Commedia, rappresentano una novità assoluta in campo artistico sia poetico che letterario. Sono i padri fondatori di una nuova maniera di cantare l’amore, di un nuovo sentire, di nuovi sentimenti che preannunciano la nascita di un uomo nuovo.

La poesia unita al canto è stata l’arma vincente rendendo estremamente attuali temi ed istanze da loro trattate che si riflettono ampiamente negli arrangiamenti originali e nelle prassi esecutive dell’Ensemble che in questo periodo storico più che mai sente l’esigenza e la necessità di riportare alla luce e condividerne come prezioso patrimonio nonché importante messaggio.

https://musicaofficinalis.bandcamp.com

progetto nato dal laboratorio permanente di Sartoria Caronte (ottobre 2024 – luglio 2025)

con Nicolò Caspani, Maya Colombo De Peppo, Safi Mencacci, Diego Oliviero, Olmo Simoncelli, Egle Spaccarelli e Cecilia Tonanni

Mater è un viaggio poetico e corporeo attraverso le memorie, le assenze e le trasformazioni legate alla figura della madre. Sei quadri teatrali compongono una partitura fatta di voce, musica, gesto e silenzio: dalla caduta iniziale al grembo, dalla nascita alla separazione, fino all’attraversamento di una soglia che è insieme perdita e rinascita. Le parole si intrecciano a coreografie simboliche, frammenti letterari e partiture musicali, restituendo la complessità del diventare figli, madri, esseri umani in cerca di senso. Uno spettacolo corale che indaga il legame originario e i riti necessari per lasciarlo andare.

A dieci anni di distanza, Carrozzeria Orfeo ripropone oggi uno dei suoi spettacoli più visionari e surreali: Robe dell’Altro Mondo.

Una nuova versione completamente rielaborata che si muove sul confine tra Teatro e Performance.

Il progetto è il frutto della collaborazione con Le Canaglie, gruppo nato nel 2013 a Mantova, costituito da Massimiliano Setti, co-direttore artistico della Compagnia e musicista, Federico Bassi e Giacomo Trivellini, gli storici illustratori di Carrozzeria Orfeo. Il trio è impegnato da anni in performance live che vedono la mescolanza di tecniche tradizionali di disegno a tecnologie digitali che interagiscono a loro volta con musica e animazione. In questa occasione incontrano la scrittura di Gabriele Di Luca, autore e regista di Carrozzeria Orfeo, con la volontà di esplorare i molteplici legami tra la drammaturgia contemporanea e il linguaggio dell’illustrazione.

Drammaturgia
Gabriele Di Luca

Regia
Gabriele Di Luca, Massimiliano Setti

Con
Federico Bassi
Sebastiano Bronzato
Massimiliano Setti
Giacomo Trivellini

Voci reporter
Alessandro Tedeschi
Valentina Picello

Illustrazioni / Grafica / Animazioni
Federico Bassi
Giacomo Trivellini

Musiche originali
Massimiliano Setti

zoe (Zoe Ciulli), nata nel 2002, scrive canzoni sulle (poche) cose che la fanno stare male (tanto).

Nel 2024 inizia a scrivere e produrre canzoni in italiano per un progetto solista, che vedrà prossimamente l’uscita del suo primo album “CUORE AUTOMA”.

⁄handlogic è un progetto experimental pop nato a Firenze nel 2016.

Sin dall’EP di esordio, la band si fa un nome nell’underground nazionale grazie alla vittoria del Rock Contest Controradio e l’incessante attività live in tutta Italia, che porta il gruppo a suonare in importanti festival (MI AMI, Ypsigrock, Mengo,
Woodoo), e sui palchi di teatri e club prestigiosi (Anfiteatro romano di Fiesole, Teatro Verdi di Firenze, Locomotiv Club). Nel 2019 vincono il premio MusicaDabere ed esce il primo full lenght conWoodworm Label, “Nobodypanic”, che viene accolto all’unanimità dalla critica specializzata e porta la band a suonare oltreconfine in Germania, Svizzera, Repubblica Ceca e Stati Uniti. La pausa dalle scene degli anni seguenti trasformano il progetto, con il passaggio alla scrittura in italiano, e una conseguente virata verso una radicalizzazione della forma canzone e dei contrasti sonori, verso una musica sempre più progressiva, in direzione ostinata e contraria alle logiche di mercato.

Il concept album che ne deriva è una celebrazione delle anime contrastanti di ⁄handlogic: colori organici e manipolazione digitale, dolci trame vocali e distorsioni selvagge, momenti di quiete riflessiva e improvvise esplosioni catartiche. Nel 2022 sono invitati dai Verdena ad aprire i loro concerti all’Alcatraz di Milano e al Palazzo dello Sport di Roma.

Per COLLINAREA XXVII presenteranno una versione inedita del loro spettacolo: una rilettura acustica del proprio repertorio in solo, nuove versioni intime pensate per accompagnare lo spettacolo naturale del tramonto nel giardino del Castello dei Vicari.

⁄handlogic
Lorenzo Pellegrini – voce e chitarra

Un progetto raffinato e intenso che pone al centro la canzone come forma d’arte universale: la voce, il pianoforte, il contrabbasso e il sax si intrecciano per raccontare storie senza tempo.

Dalle melodie della tradizione italiana e napoletana, passando per il fascino struggente della chanson française, fino all’eleganza delle ballate anglosassoni e alla passionalità del repertorio argentino, il progetto si arricchisce anche di composizioni originali, create con sensibilità contemporanea e radici profonde.

Condividono il palco Stefano “Cocco” Cantini, Ferruccio Spinetti e Jole Canelli.

Un concerto che vuole essere un omaggio alla bellezza della canzone e alla sua capacità di toccare l’anima.

EDIPO. CORPO DI SFINGE. Tavolo Anatomico. Apertura al pubblico del workshop sulle arti performative (BODY-ART-SOUND) condotto da Andrea Cramarossa. Testo di riferimento: “Edipo Borderline” di Vettor Pisani.

La Ladra racchiude nello scrigno della sua voce le melodie e le musicalità che la incantano. Le ruba qua e là, di casa in casa. Al canto affianca l’ arte del teatro, con cui ammaestra la sua feroce fragilità. Il Giocoliere si diverte con le note scoperte nei suoi incontri in giro per il mondo. Le fa volteggiare in aria, poi le pizzica, le fa rimbalzare, e la sera le culla con la sua chitarra. I due, spinti dal desiderio di musicare le storie raccolte, intraprendono assieme un viaggio tinto di melodie pop, ritmi jazz e parole di cantautorato. In primavera, accanto alla chitarra e al microfono, fiorisce un nuovo strumento… un altro Giocoliere si unisce al duo, intrecciando alle loro armonie i colori della sua tastiera. Questi sono la Ladra e i Giocolieri.

Il gruppo viene fondato a Pontedera nel 2019 da Benedetta Berti e Filippo Dainelli. Inizialmente consiste in un duo acustico chitarra e voce, con un repertorio basato principalmente sui loro pezzi inediti. Oltre a serate nei locali della provincia di Pisa, fra il 2019 e il 2020 accompagnano musicalmente “Gli Scrittori Sbandati” (un gruppo creato dalla psicologa Francesca Masi) durante le loro presentazioni di libri. Negli anni partecipano a vari concorsi fra cui: Firenze Suona Contest (2023), Sanremo Rock & Trend (2021), Premio Rivelazione Sete Sois Sete Luas (2020). Nell’ottobre 2023 esce il video del singolo Fiammetta, prodotto dal chitarrista Andrea Valeri e diretto dalla videomaker Valentina Iadevaia. Sempre nel 2023 si aggiunge alla formazione Lorenzo Raffaele alla tastiera.

PROGRAMMA DEL CONCERTO:

-R.Calace, Fantasia Poetica
-C.Munier, Valzer-Concerto
-V.Abt, Carnevale di Venezia,
-C.Bertucci, Les premiers jours des petits enfants
-E.Catemario, Suite “Le foglie della Sibilla”
-M. de Falla, Danza dell’orrore,
-H.Renié, Scherzo-Fantaisie,

ArsHelichrysum Duo:
Tosca Tavaniello, Arpa
Federico Maddaluno, Mandolino

L’ArsHelichrysum Duo, nasce dall’idea di Tosca Tavaniello (Arpa) e Federico Maddaluno (Mandolino) nell’estate del 2020. Il nome deriva dall’unione di due parole latine; Ars (arte) ed Helichrysum (elicriso). L’Elicriso è un fiore noto per la sua bellezza duratura, conosciuto in Grecia come “Il Fiore Immortale”, simbolo d’amore eterno. Il Duo propone la combinazione delle timbriche dei due strumenti, che da vita a un’atipica sonorità dalle infinite risorse. Potenzialità, le quali, danno al Duo, la possibilità di avere nel repertorio, brani originali e non per questa formazione, spaziando nei vari stili, dal ‘800 fino ai giorni nostri. Dando un tocco di originalità sia nelle esecuzioni che negli arrangiamenti.

Il repertorio del duo si muove con naturalezza attraverso epoche e stili, abbracciando compositori come Raffaele Calace, Carlo Munier, Henriette Renié e Manuel De Falla, fino ad arrivare a brani contemporanei scritti appositamente per questa formazione. ArsHelichrysum si propone con semplicità di portare al pubblico una musica che intreccia tradizione e modernità, con l’umiltà di chi ama scoprire e condividere nuove possibilità espressive.

Con semplicità e dedizione, Tosca Tavaniello e Federico Maddaluno desiderano offrire al pubblico momenti di ascolto sinceri, che possano toccare il cuore.

Il progetto Sauvage Rule nasce nel 2023 con il lancio di un album omonimo, seguito da una serie di singoli pubblicati su tutte le piattaforme di streaming sotto l’etichetta TUCANO Exotic Records.

Il sound della band è incentrato sulla sperimentazione di nuove sonorità dal carattere retrò-nostalgico, ispirate alla new wave anni ’80. L’identità musicale dei Sauvage Rule è profondamente legata ai sintetizzatori, con un’estetica che spazia tra un synth-pop cupo e drammatico, caratterizzato da testi introspettivi, e melodie vocali fresche con un’inflessione vagamente britannica.

Il primo album della band è stato interamente plasmato da strumenti iconici dell’epoca, tra cui Juno-60, OB-Xa, DX7, Prophet, Linn e la drum machine DMX, che definiscono il loro panorama sonoro. L’obiettivo dei Sauvage Rule è portare la loro musica sul palco, con un’esperienza dal vivo che rispecchi le sonorità che li hanno sempre ispirati.

I membri della band
• Maurizio Santini (nato il 14 agosto 1973) – Cantante, fondatore e frontman dei Super Angels, band indie-rock attiva dal 2005.
• Alessio Lombardi (nato il 25 dicembre 1975) – Produttore, tastierista ed ex membro dei SuperB, band pop italiana attiva tra il 1998 e il 2001 sotto l’etichetta V2 Italy di Richard Branson.
• Giovanni Bracci (nato il 14 settembre 1980) – Chitarrista, polistrumentista ed ex membro dei Working Vibes, band reggae-dancehall protagonista della scena reggae underground italiana tra il 2002 e il 2010.

I Sauvage Rule nascono con la volontà di coniugare passato e presente, dando vita a un suono evocativo e riconoscibile, capace di coinvolgere il pubblico tanto nelle produzioni in studio quanto nelle esibizioni dal vivo.

Quattro suore, quattro donne, in un luogo che non esiste e in un tempo che non è dato sapere. Se l’umano ha bisogno di regole allora saremo noi a deciderle. Il tempo è scandito, lo spazio suddiviso, le parole misurate, gli obiettivi definiti. Quattro donne che si interrogano su temi adulti e trovano risposte da bambine, di loro stesse sono le madri e le figlie. In un microcosmo fatto di gesti rituali e parole pesate con cura inventano regole e infrangono certezze fino a smuovere questo fragile equilibrio tra obbedienza e desiderio. La musica segue i i sentimenti dei personaggi, passando dalla compostezza della musica classica al caos di quella elettronica. La luce accompagna ogni movimento con precisione, sottolineando gesti ed emozioni. Lo spazio scenico è essenziale: pochi oggetti, unico materiale l’acqua, simbolo di purificazione, e un burattino ancora da comporre.

Regia di Sveva Gini
Con Giuliana D’Alessandro, Zaira Di Stefano, Sveva Gini e Gaia Picchi
Luci e audio Sergio Masiero

con Attila L. Nagy, Domokos Kovács
Drammaturgia: Orsolya Nagy
Costruzione marionetta: Panna Kárpáti
Musica: Krisztián Vranik, Mátyás Jankó, Bernadett Tarr
Luci: András Váradi, Mercédesz Selmeczi
Consulenza: Kitty Fejes
Regia: Domokos Kovács

Coproduzione: Associazione degli Artisti Freelance Europei, Sziget Festival – Magic Mirror

Qualsiasi tre punti nello spazio che non si trovano su una stessa linea definiscono un triangolo. I personaggi di questa performance sicuramente non si dispongono in linea retta, ma piuttosto si intrecciano tra loro. Persino il tempo in cui esistono non è del tutto condiviso, ma solo lo spazio. O meglio, è proprio il loro tempo ad accomunarli, perché anche quando non occupano lo stesso spazio, sono comunque tutti e tre presenti.

Tryangle è una reinterpretazione del solo Dancing On A Grinder, che esplora l’incontro tra concetto e realtà attraverso il linguaggio della physical puppetry: una nuova forma nata dalla dualità tra danza contemporanea e teatro di figura. Mentre la performance precedente indagava il rapporto tra due uomini, una marionetta e il suo manipolatore, Tryangle introduce un terzo attore in una dinamica relazionale già circoscritta, elevando il duetto a un trio vissuto dalla marionetta e due danzatori.

Attraverso la danza che si sviluppa tra i tre personaggi, possiamo osservare come le dinamiche delle relazioni passate si ripresentino nell’attaccamento a una nuova persona. Come vengono trasportati i traumi delle relazioni precedenti in una nuova relazione? Fino a che punto è possibile superare questi schemi, insieme o da soli? Posso davvero superare il mio ex? E loro, possono superare me?

Quattro suore, quattro donne, in un luogo che non esiste e in un tempo che non è dato sapere. Se l’umano ha bisogno di regole allora saremo noi a deciderle. Il tempo è scandito, lo spazio suddiviso, le parole misurate, gli obiettivi definiti. Quattro donne che si interrogano su temi adulti e trovano risposte da bambine, di loro stesse sono le madri e le figlie. In un microcosmo fatto di gesti rituali e parole pesate con cura inventano regole e infrangono certezze fino a smuovere questo fragile equilibrio tra obbedienza e desiderio. La musica segue i i sentimenti dei personaggi, passando dalla compostezza della musica classica al caos di quella elettronica. La luce accompagna ogni movimento con precisione, sottolineando gesti ed emozioni. Lo spazio scenico è essenziale: pochi oggetti, unico materiale l’acqua, simbolo di purificazione, e un burattino ancora da comporre.

Regia di Sveva Gini
Con Giuliana D’Alessandro, Zaira Di Stefano, Sveva Gini e Gaia Picchi
Luci e audio Sergio Masiero

Immaginate un circo come un grande tendone con una piccola orchestra, un palco un po’ malandato, artisti che danzano su corde sottili mentre si destreggiano con i bicchieri, saltimbanchi o clown, venditori di sonagli salati, slogan sottaceto e idee di grappa all’albicocca… e questo è esattamente il tipo di circo che è Zirkus Josef. Mancano solo tendone e orsi in monociclo.

L’enfasi principale è sulla musica e sulla poesia, ma gli ampi viaggi ritmici, il fumo di salvia o cannella e un sacco di saltelli improvvisati hanno il loro posto fisso nell’arena del nostro circo. Un’operazione a cuore aperto. Rintocchi senza tempo. L’arte guarisce.

Zirkus Josef crea nuove rime per dare un taglio alla solita solfa. Un tempo stagnante siede in prima fila, tutte le bliglietterie sono chiuse. E il giullare ha l’ultima parola.

Martin W.G. Obermeier
Handpans, strumenti a corda, filo rosso e inchiostro blu, voce e tamburi, locomotiva e megafono

Christian Partl
Bicchieri da vino e da champagne mezzi pieni, poesia, tappeto volante, voce e batteria, macchina da scrivere, infuso di caffè

Christoph Waxenegger
Basso, voce, percussioni con punto esclamativo, frequenza e incenso, cablaggio e concordia

Saša Batnožić
Chitarra, armonie e gong, voce melliflua, batteria e slivovitz, luce e buio

Gerhard Haslbeck
Armonium, voce e tamburi, strumenti a corda e suoni di guarigione, aria e ali

Suonare, giocare, in Italiano sono termini distinti. Non così in Inglese, Tedesco e Francese. Cosa può accadere se un musicista “Serio” si trova a suonare con un altro musicista per il quale fare musica è anche “giocare”?
Quali relazioni si verrebbero a stabilire tra i due?

Come reagirebbero l’uno a contatto con l’altro? Dalle risposte a queste domande è scaturito uno spettacolo che propone un modo diverso di accostarsi al mondo della musica classica. Scherzi, tic, provocazioni musicali diventano il tessuto dello spettacolo nel quale la musica si coniuga con il divertimento. Così lo spettacolo risponde ad una partitura di sinfonia, nella quale, naturalmente, tra tutti i movimenti prevale … l’allegro.

Il Duo Baldo, composto da Brad Repp al violino e Aldo Gentileschi al pianoforte, ha avuto il suo primo importante successo il 24 aprile 2004 quando è stato invitato dalla “Fondazione Arpa” per accompagnare il tenore Andrea Bocelli.

omaggio a Franco Battiato

Carlo De Toni voce
Giovanni Bracci chitarre

Nessuno nella storia della musica italiana è arrivato alla massa proponendo un percorso evolutivo come quello proposto da Franco Battiato. Il suo messaggio spirituale e musicale ha attraversato le nostre anime lasciando un segno indelebile.

Il nostro personale omaggio è una dichiarazione d’amore all’uomo e all’artista che ha saputo come nessun’altro guidare generazioni alla scoperta di se stessi attraverso le sue immortali canzoni.

Caravaggio e l’Angelo

di Francesco Niccolini
con Benedetta Giuntini e Francesco Niccolini
al sax Dimitri Espinoza
regia Francesco Niccolini

produzione deSidera/Teatro de Gli Incamminati con il sostegno della Fondazione MIA e deSidera Bergamo Festival e la collaborazione di Festival Collinarea, Sartoria Caronte
grazie alla Misericordia di San Miniato

Miseris cor dare. Dare il cuore ai bisognosi. Questa è la misericordia: prevede che si offra il cuore a chi ha bisogno di aiuto e conforto. Vuol dire sporcarsi le mani, fare, non commuoversi ma poi stare al sicuro nelle proprie case.

Questo è il comandamento che da metà del Duecento fino a oggi, in molte parti d’Italia e d’Europa, delle associazione laiche di volontari affermano e vivono costantemente, volontari che per bisognosi, malati, viandanti, pellegrini, carcerati, e pure per i morti si fanno in quattro nel tentativo di offrire loro dignità, nella malattia, nella povertà e alla fine della vita.

La storia dell’arte è piena di episodi abbaglianti che raccontano la Misericordia e in particolare la Madonna della Misericordia, figura che più di ogni altra simboleggia la mediazione tra il Cielo e quelli che potremmo chiamare uomini e donne di buona volontà, per usare una formula antica ma piena di umiltà e sentimento.

In assoluto, l’episodio più eclatante e rivoluzionario in tutta la storia dell’arte intorno a questo argomento è il capolavoro di Michelangelo Merisi da Caravaggio Le sette opere di Misericordia, che dal 1606 campeggia sopra l’altare del Pio Monte della Misericordia di Napoli. Vi campeggerà in eterno, finché esisterà quella chiesa, perché un decreto della Misericordia napoletano prevede che per nessun motivo quel quadro possa essere spostato, venduto e neppure copiato, tanto gli viene riconosciuta la sua bellezza assoluta.

Avvolto nel fascino di tutte le storie che racconta (e sono molte davvero) e nel mistero dei due angeli che al centro del quadro stanno precipitando verso terra, Le sette opere è una delle opere più rappresentative della genialità senza pari di Caravaggio che non solo è l’autore di questo capolavoro ma, nella sua vita scapestrata e rabbiosa, diventa il tragico simbolo di quella caduta e di cosa vuol dire vivere e morire senza misericordia.

Questo racconto a due voci, accompagnato dalla musica dal vivo di un grande saxofonista come Dimitri Espinoza, percorre in modo febbrile devozione e passione, fame, rabbia e miseria della Napoli dei Seicento, ma soprattutto l’ultima parte della vita devastata di Caravaggio, che finisce con il diventare il simbolo tragico, come i due angeli del quadro, di una caduta senza fine.

Racconto del cuore di e con Simone Perinelli
Tratto dall’omonimo podcast on line
Regia, progetto musica/video di Walter Paradiso

Un racconto del cuore di un padre che cerca tra le trame del tempo un dialogo ormai impossibile con la sua compagna storica, compagna di vita e di scena. Un testamento necessario, un lascito spontaneo di parole “che dire si devono” ai loro due figli. Un dialogo intimo, segnato da presenze invisibili e ricordi famigliari, dove la montagna è potente metafora di vita offrendo lezioni di resistenza, adattamento e accettazione della transitorietà. La natura, con i suoi cicli e le sue leggi spietate ma giuste, si contrappone all’irrazionalità e all’ingiustizia del mondo umano, diventando rifugio, maestra e fonte di una rinnovata, seppur ferita, connessione con la vita.

Parole necessarie che provengono dal cuore per elaborare l’abbandono e la deflagrazione del nido famigliare, e ricostruire il proprio presente a partire da lì, dal punto esatto in cui il sentiero finisce e inizia il cammino su un crinale scivoloso e scomodo. Sì, perché parlare di uomini distrutti da dinamiche di coppia che hanno perso il sentiero del cuore e della ragione rischia di far scattare immediate accuse di maschilismo, come se riconoscere questa dolorosa realtà sminuisse la ben più diffusa e grave violenza di genere perpetrata dagli uomini. Ad oggi non possiamo fare altro che continuare ad ascoltare questi cori taciuti, come quando nelle notti di nebbia, che sale dal fiume, percepiamo l’avvicinarsi di una nave fantasma con la sua ciurma di pirati dalle voci strozzate dal pianto. Tra qualche anno si parlerà anche di questo.

Fabiano Erio Franovich, in arte Erio, è un artista di origine istriana, nato e cresciuto in provincia di Livorno. Dopo aver studiato canto lirico e composizione, scrive una manciata di brani che decide di inviare ad alcune case discografiche. Tra queste c’è La Tempesta che s’innamora subito della sua voce e della sua scrittura. Con loro farà uscire due dischi in inglese, Für El (2015) e Inesse (2018), un mix inaspettato di atmosfere notturne e dolci melodie, rhythm and blues e soul pop, che porterà in tour nei principali club e festival italiani grazie alla collaborazione con Locusta Booking, arrivando a calcare il palco del Primo Maggio di Roma nel 2018, come finalista del 1M NEXT.

Nel 2021 Erio ha partecipato a X Factor, giungendo in semifinale sotto la guida di Manuel Agnelli, con il quale co-produce due singoli, Amore Vero (insieme a Rodrigo D’Erasmo e Yakamoto Kotzuga) e Fegato (scritta da Giuliano Sangiorgi dei Negramaro e co-prodotta da D’Erasmo, Tommaso Colliva e Vanni Antonicelli), i primi due brani in italiano pubblicati dall’artista toscano.

Nel 2023 riarrangia e riproduce “Only you” degli Yazoo per il film “Era Ora” di Alessandro Aronadio, con protagonisti Edoardo Leo e Barbara Ronchi. Il film raggiunge i primi posti tra i più visti al mondo su Netflix nelle prime settimane dalla sua uscita.

Sempre nel 2023 esce “Fede”, il primo EP in italiano di Erio: una piccola collezione di quattro tracce in cui la voce di Erio è centrale e ci accompagna in un viaggio attraverso temi archetipici, come la fede, la speranza, l’attenzione e la testimonianza. Nei testi, sempre a cavallo tra una semplicità contemporanea e una ricercatezza di registro dal gusto retró, una velata ironia e un senso di intima confessione sono spesso sovrapposti, così da mantenere un equilibrio tra leggerezza d’ascolto e profondità di riflessione.
Gli arrangiamenti, opera dello stesso Erio e, in tre tracce, di Erio e Yakamoto Kotzuga, cercano di realizzare la stessa sintesi ma in termini sonori. Anche qui stilemi “pop” si contendono lo spazio con ritmiche taglienti e distorte, nel tentativo di creare un sound allo stesso tempo sperimentale e accogliente, digeribile ma personale.

Nel 2024 Erio è scelto da Laura Pausini in persona per l’apertura della data del suo World Tour Winter 2024 al Modigliani Forum di Livorno.

Una performance multidisciplinare con una poetica tagliente, che gioca con i limiti del disturbo, condita con sarcasmo e illusionismo.

Un mondo in cui le associazioni tra suono e materia sono fluide e le metafore prendono forma concreta.

Un universo di estetica grezza dove corpi umani, frammenti di vetro e cavi elettrici, luci e microfoni abitano il palcoscenico come cellule di uno stesso organismo vivo e pulsante.

Mettiamo in scena un’esperienza di frattura e frammentazione personale, organica ed esistenziale. Si parla di fragilità umana, di crepe nel corpo e nella mente e del coraggio e della forza necessari per accettarle e conviverci.

Narriamo una storia mentre il corpo si rompe e si ricostruisce al ritmo di vetri in frantumi interferenze sonore e acqua che gocciola.

Tra riflessi e silenzi: un dialogo tra vita e ombra

da un’idea di Michele Fiaschi
disegno video di Michele Fischi e Boris Pimenov

con Eros Carpita
regia Loris Seghizzi

“Dialoghi al Buio è un viaggio intimo e universale, un monologo che scava nelle profondità dell’animo umano con toni drammatici ma intrisi di ironia. Un unico attore in scena, accompagnato da proiezioni immersive e giochi di luce, si confronta con il proprio riflesso, con l’ombra che rappresenta il suo io più profondo.

Attraverso dialoghi che oscillano tra il sarcasmo e la vulnerabilità, si affrontano temi fondamentali come la vita, la morte, il confronto con se stessi e la complessità delle relazioni. Un’esperienza teatrale unica, che unisce minimalismo scenico e tecnologia per portare lo spettatore a riflettere sul significato dell’esistenza e sull’importanza di guardarsi dentro per trovare la forza di vivere ogni giorno con autenticità.

Un’opera che invita a sorridere e a emozionarsi, lasciando aperta la porta a nuove domande e a una luce che risplende anche nel buio.

Ideata e interpretata da Claudia Caldarano, Troffea: la piaga del ballo è una performance transdisciplinare site-adaptive ispirata al fenomeno storico dell’epidemia del ballo a Strasburgo nel 1518. L’opera accompagna il pubblico in un’esperienza immersiva e interattiva, esplorando temi profondamente attuali come il controllo sociale, il dissenso e la riappropriazione del corpo. La narrazione si intreccia con la musica di Filippo Conti, invitando gli spettatori a partecipare attivamente fino a un contagio coreografico che culmina in un ballo collettivo.

Isaac Fernández è un talentuoso artista di indie folk e cantautorato, la cui musica evoca emozioni profonde e universali. Con una solida esperienza nella scena musicale underground spagnola, ha realizzato numerosi tour in tutta la penisola iberica.

Nato a Barcellona, Isaac si è avvicinato al mondo della musica fin da giovane e, da allora, ha intrecciato storie attraverso le sue canzoni. Uno dei momenti più entusiasmanti della sua carriera è l’uscita del suo prossimo album, “Fragmentos del Espacio y el Tiempo”. Ciò che rende questo album veramente speciale è che è stato registrato interamente su cassetta, utilizzando un registratore multitraccia degli anni ’80. Questa scelta accurata del mezzo di registrazione conferisce alle canzoni una texture unica e nostalgica, trasportando l’ascoltatore in un’altra epoca mentre esplora la profondità emotiva della musica di Isaac.

Isaac Fernández è noto anche per la sua versatilità e il suo contributo ad altri ambiti del panorama musicale.
Ha composto la colonna sonora dello spettacolo teatrale “La Fuerza del Destino”, dimostrando la sua abilità nel creare musica adatta a differenti forme d’arte. Inoltre, ha lavorato come produttore per l’EP “From Inside” di Alba Escalon, contribuendo in modo significativo ad arricchire il progetto artistico.

Nel corso della sua carriera, Isaac ha collaborato alla creazione di colonne sonore per cortometraggi premiati, sottolineando ancora una volta la sua versatilità e la sua capacità di comporre musica che valorizza la narrazione visiva.

La sua musica autentica ed emotiva, unita alla sua esperienza e poliedricità, lo rendono una figura di spicco nel panorama musicale contemporaneo.

opera ubiqua in due atti – interazione Teatrale/Cinematografica/Musicale
scritto e diretto da Loris Seghizzi

con Iris Barone, Walter Barone, Eros Carpita, Alice Giulia di Tullio, Alice Bosio, Sergio Masiero, Filippo Brancato, Nicola Finozzi, Sveva Gini, Giuliana D’Alessandro, Edoardo Mancini Baldacci, Ksenia Rotar, Gimmi Barone.

band: Giacomo Macelloni (batteria), Giovanni Bracci (chitarre), Luca Ciarfella (chitarra acustica e tastiere), Fabio Di Tanno (basso), Lorenzo Raffaele (piano), Daniela Bulleri  (voce), Francesco Oliviero (voce)

Orchestra e cori del Teatro Goldoni di Livorno diretta da Mario Menicagli. Con la collaborazione di Opera Music.

progetto sonoro di Mirco Mencacci
progetto luci di Michele Fiaschi e Stefano Franzoni
progetto video di Boris Pimenov
assistenti alla regia Anna Fatticcioni e Zaira Di Stefano
impianto video a cura di C3 srl
costumi ideati da Eros Carpita e Silvia Salvaggio e realizzati da Manifatture Digitali
collaborazione esecutiva Manuela Lo Sicco e Sabino Civilleri

Un viaggio tra lirica, musica pop sperimentale, teatro, danza, video, suono. Un’opera ubiqua. Un atto d’amore per l’arte e il luogo.

“Tosca d’essai” è un’opera ubiqua, immersiva e site-specific, che coinvolge i luoghi del borgo di Lari grazie all’infrastruttura Connessioni© ideata da Loris Seghizzi e Mirco Mencacci. Tra musica, teatro e realtà aumentata, lo spettacolo riscrive Puccini in una forma inedita. Un’esperienza unica in Italia. Un esperimento artistico radicale narrato da una drammaturgia multistrato, distribuita nello spazio e nel tempo.

Dopo il triennio dedicato a Butterfly, Turandot e Bohème, Tosca d’essai rappresenta il consolidamento di un format originale, capace di connettere in tempo reale più luoghi, suoni, immagini, corpi e prospettive.

Il pubblico abiterà tre spazi principali – Piazza Matteotti, il Giardino del Comune, Piazza Vittorio Emanuele – in un’esperienza performativa che si sviluppa simultaneamente su più livelli.

Scarpia, Cavaradossi e Tosca rivivono la tragedia in tempo reale, mentre una troupe gira il film dell’opera: questo duplice registro è il cuore pulsante di Tosca d’essai. Da un lato, il pubblico assiste alla messa in scena dal vivo della vicenda pucciniana; dall’altro, gli stessi gesti, le stesse emozioni e le stesse parole vengono catturate dalle telecamere e trasformate in film.

La narrazione si svolge nell’intreccio tra la tra trasposizione teatrale del libretto, i testi delle musiche contemporanee, le arie dell’opera, la diffusione incrociata di due mondi, attraverso il suono e il video.

Tosca si trasforma in una lente per osservare il potere, l’arte, la violenza e l’amore; iin una tensione continua tra memoria e riscrittura.

A Lari, Tosca diventa una riflessione sul potere, la violenza, l’amore; sull’arte e sul tempo: ciò che è vivo accade una volta sola. Ma forse può rinascere… se diventa film.

Tosca d’essai non è un’opera solo da guardare. È un’opera da abitare.

opera ubiqua in due atti – interazione Teatrale/Cinematografica/Musicale
scritto e diretto da Loris Seghizzi

con Iris Barone, Walter Barone, Eros Carpita, Alice Giulia di Tullio, Alice Bosio, Sergio Masiero, Filippo Brancato, Nicola Finozzi, Sveva Gini, Giuliana D’Alessandro, Edoardo Mancini Baldacci, Ksenia Rotar, Gimmi Barone.

band: Giacomo Macelloni (batteria), Giovanni Bracci (chitarre), Luca Ciarfella (chitarra acustica e tastiere), Fabio Di Tanno (basso), Lorenzo Raffaele (piano), Daniela Bulleri  (voce), Francesco Oliviero (voce)

Orchestra e cori del Teatro Goldoni di Livorno diretta da Mario Menicagli. Con la collaborazione di Opera Music.

progetto sonoro di Mirco Mencacci
progetto luci di Michele Fiaschi e Stefano Franzoni
progetto video di Boris Pimenov
assistenti alla regia Anna Fatticcioni e Zaira Di Stefano
impianto video a cura di C3 srl
costumi ideati da Eros Carpita e Silvia Salvaggio e realizzati da Manifatture Digitali
collaborazione esecutiva Manuela Lo Sicco e Sabino Civilleri

Un viaggio tra lirica, musica pop sperimentale, teatro, danza, video, suono. Un’opera ubiqua. Un atto d’amore per l’arte e il luogo.

“Tosca d’essai” è un’opera ubiqua, immersiva e site-specific, che coinvolge i luoghi del borgo di Lari grazie all’infrastruttura Connessioni© ideata da Loris Seghizzi e Mirco Mencacci. Tra musica, teatro e realtà aumentata, lo spettacolo riscrive Puccini in una forma inedita. Un’esperienza unica in Italia. Un esperimento artistico radicale narrato da una drammaturgia multistrato, distribuita nello spazio e nel tempo.

Dopo il triennio dedicato a Butterfly, Turandot e Bohème, Tosca d’essai rappresenta il consolidamento di un format originale, capace di connettere in tempo reale più luoghi, suoni, immagini, corpi e prospettive.

Il pubblico abiterà tre spazi principali – Piazza Matteotti, il Giardino del Comune, Piazza Vittorio Emanuele – in un’esperienza performativa che si sviluppa simultaneamente su più livelli.

Scarpia, Cavaradossi e Tosca rivivono la tragedia in tempo reale, mentre una troupe gira il film dell’opera: questo duplice registro è il cuore pulsante di Tosca d’essai. Da un lato, il pubblico assiste alla messa in scena dal vivo della vicenda pucciniana; dall’altro, gli stessi gesti, le stesse emozioni e le stesse parole vengono catturate dalle telecamere e trasformate in film.

La narrazione si svolge nell’intreccio tra la tra trasposizione teatrale del libretto, i testi delle musiche contemporanee, le arie dell’opera, la diffusione incrociata di due mondi, attraverso il suono e il video.

Tosca si trasforma in una lente per osservare il potere, l’arte, la violenza e l’amore; iin una tensione continua tra memoria e riscrittura.

A Lari, Tosca diventa una riflessione sul potere, la violenza, l’amore; sull’arte e sul tempo: ciò che è vivo accade una volta sola. Ma forse può rinascere… se diventa film.

Tosca d’essai non è un’opera solo da guardare. È un’opera da abitare.